不用阅读展览手册，直奔热门打卡点，“咔咔咔”，摆几个姿势换几个表情，修图，发送朋友圈，大功告成，这一套流程走下来，从进馆到出馆，半小时都不到。至于艺术家是谁？展览主题是什么？不好意思，忙着拍照去了，没注意。

　　很多时候，那些在展览上拍照的人，甚至比看展还有意思。

　　那么问题来了，他们去打卡的是什么展览呢？有人曾经用三个字对这些展览做过高度总结：网红展，原装展品是背景墙，观众才是真·展品的当代刻奇大观园。参观过程相当于亲密好人、好友的摄影技术大考，没有个会拍照的对象都不好意思去，去了也是徒增家庭矛盾。

　　当然了，这种定义纯属调侃。事实上，网红展通常会被冠以“沉浸式展览”的名头，沉浸式艺术起源于1960年代，美国艺术家詹姆斯·特瑞尔一直致力于利用光线进行创作，在美术馆的空间里，构建一个个光怪陆离的感官世界。但他应该想不到，在半个多世纪后，“沉浸式艺术”会和“多媒体装置”、“跨界”等词语一起，成为“网红展”的代名词。

　　去年，日本多媒体艺术团体TeamLab的首个展览“花舞森林”，落户佩斯北京画廊。随着“网红展”这一概念的走红，TeamLab的作品也得到了“重生”。他们的代表作《花舞森林迷失、沉浸与重生》是一个全包裹式的投影体验，360度的光影覆盖造成了它的沉浸式体验。

　　从去年五月底开始，去TeamLab的展自拍打卡，便出现在了很多人的社交媒体中，一时间，这个展览成为了国内各大城市最受青睐的展览，但在创始人看来，它原本的意义，是通过交互与科技的方式，传递“人类参与自然，同时对自然产生的影响”，但因为视觉效果浪漫唯美，“拍照好看”反而成为了它最大的标签。

　　除了这一类无心误入网红门的艺术展，还有一类艺术展，从诞生之初就是奔着成为网红而来的。这类展览大多知识门槛不高，而且具有很强的复制性，它们的源头，其实也没多远。2016年，快闪展览冰淇淋博物馆在美国创办。在这个展览中，没有任何历史和产品的介绍，只有大量可供拍照的大型甜品装置，它曾创下5天内门票一抢而空、20万人进入等待名单的纪录，这一现象，让很多人开始意识到这种形态展览的异军突起。

　　而冰淇淋博物馆在本质上，是对一种现代社交生活方式的高度概括——拍照、分享、制造话题，通过制造话题划分社群，然后进行病毒式传播。它的创作者马耶利斯·邦恩，曾经在社交平台Facebook、Instagram工作，因此深谙互联网时代的社交媒体之道。

　　网红展之所以火爆，很大程度上是迎合了当代年轻人喜欢“晒”的心理。在快节奏的生活中，高出片率、迅速分享的网红文化，是年轻一代的造梦所，在这个美梦中，可以获得诸如“好美”这样的赞美。从“禁止拍照”到设置“打卡点”，从观看展品到观看自己的形象，从分享思考，到分享拍照姿势和拍照穿搭，展览的意义在社交媒体的渗透下悄然改变，而看展人的满足感也发生了变化——从获得知识，到获得点赞。

　　不可否认，网红展能带来巨大的盈利。举个例子，当某个大型商场举办活动时，如果想要增加客流量，最流行的一种形式就是，打造一个“艺术展”。对于商场而言，它们能为商场吸引流量，流量也就等同于收入。早在几年前，就有3D视觉展在国内引起打卡热潮。几年后的限制，类似“孤独的泡面”、“失恋博物馆”等展览，仍然能够吸引一大波人前去打卡。

　　与此同时，很多艺术家的展览还催生出了另一条产业链——山寨展览。去年，很多城市都出现了日本艺术家草间弥生的假展览，展览中展出的全都是粗制滥造的赝品。

　　值得注意的说，眼下，传统艺术展正在流失人群。因为专业门槛高、类型严肃，导致传统艺术展门可罗雀。而网红展的出现和流行，也给美术馆经营者带来了新的思考——怎样才能在这个时代做出既叫好又卖座的展览呢？

　　业内人士认为，“适合拍照”降低了人们亲近艺术的门槛，这是一件好事，但流量和质量的平衡，以及如何将通过“拍照好看”吸引过来的观众，变成美学教育的对象，更是当代美术馆需要努力的新方向。

　　网红艺术的流量大，严肃艺术的生命力强，两者很难用同一个标准，来评判孰优孰劣。何况人是复杂的，同一个人，她白天会和闺蜜去流连“繁华色彩光影”；而夜深人静时，她又会在文艺作品中找到人性的共鸣。百花齐放，各取所需，这就挺好。

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